BlowUp Jubilee!

Das Konzept: Kunst, die Luft und Raum einbezieht 

BlowUp Jubilee ist eine einzigartige Freiluftausstellung, bei der Luft, Farbe und Design im Mittelpunkt stehen. Im gesamten Museumskvartier – insbesondere rund um den Lange Voorhout und den Hofvijver – zeigen verspielte und monumentale Kunstwerke, wie Kunst mit Maßstab, Leichtigkeit und überraschenden Formen spielen kann. Die Installationen wurden von nationalen und internationalen Künstlern entworfen und reichen von verspielt bis monumental. 

Ein Rückblick und ein Ausblick 

Diese Jubiläumsausgabe markiert einen Meilenstein: Alle ikonischen BlowUp-Werke der letzten fünf Jahre kehren zurück, sodass die Besucher einen Überblick über die Entwicklung dieses beliebten Kunstprojekts erhalten. Frühere Ausgaben von BlowUp Art zogen Tausende von Besuchern an und sorgten für große internationale Medienaufmerksamkeit. Mit BlowUp Jubilee baut die Organisation diesen Erfolg weiter aus, indem sie die monumentalen Kunstwerke direkt im öffentlichen Raum erlebbar macht – kostenlos zugänglich für Jung und Alt.  

Legende:

Halle des Hauptbahnhofs

1. Marleen Sleeuwits – Kolumnen
Marleen Sleeuwits ist eine erfolgreiche multidisziplinäre Künstlerin. In ihrer Arbeit versucht sie, die Eigenschaften eines Ortes zu ergründen, um diese anschließend durch das Einbringen neuer Elemente zu verstärken. Sie fuhr tagelang mit dem Fahrrad durch Den Haag, um Säulen zu fotografieren. Hier im Hauptbahnhof präsentiert sie eine Collage aus „aufblasbaren Objekten“, die auf diesen lokalen Säulen basiert.

Plein

2. Steve Messam – Orange
Die Krone der Freiheitsstatue scheint auf die Schultern von Wilhelm von Oranien gesunken zu sein. Steve Messam schuf eine luftige, aber räumlich ausdrucksstarke Komposition aus grünen Spitzen, die sich sieben Meter über dem Plein im Wind bewegen. Wenn abends die Beleuchtung angeht, wird die Atmosphäre rund um dieses temporäre Kunstwerk noch zusätzlich verstärkt.

Königliches Theater

3. Adrianus Kundert – My First Inflatable
Gestreifte, röhrenförmige Elemente bewegen sich ständig im Wind. Adrianus Kundert setzt seine Faszination für Textilien und Gewebestrukturen in eine räumliche Installation um. Das Werk verändert ständig seine Form und seinen Rhythmus. Dadurch entsteht eine lebendige Interaktion mit der Umgebung – ein visuelles Spiel aus Bewegung, Muster und Luft, das den Ort vorübergehend verwandelt.

4. Yamuna Forzani – Ein großes Herz
In dieser Fassadeninstallation an der Schouwburgstraat untersucht Yamuna Forzani die Spannungsfelder zwischen Alt und Neu. Ihr von Symbolen umgebener Globus verkörpert eine inklusive Utopie, in der die LGBTQIA+-Gemeinschaft im Mittelpunkt steht. Das Werk verbindet Architektur und Identität und positioniert den öffentlichen Raum als Ort der Gleichheit, des Optimismus und der Begegnung.

Lange Voorhout

5. Steve Messam – Crested
In „Crested“ verbindet Steve Messam monumentalen Maßstab mit extremer Leichtigkeit. Die leuchtend roten, spitzen Formen bewegen sich ständig im Wind und verwandeln einen alltäglichen Ort in ein dynamisches Spektakel. Hinter der Verspieltheit verbirgt sich technische Präzision, mit der Messam Architektur und Textil zu einem kraftvollen räumlichen Erlebnis vereint. 

6. Raw Color – Compressed Cylinders
„Compressed Cylinders“ von Raw Color belebt ein leeres Schaufenster mit aufgeblasenen, röhrenförmigen Elementen, die gegen die Wände drücken. Die Installation verändert sich durch das Aufblasen und Entleeren ständig, wodurch immer wieder neue Kompositionen entstehen. Das Werk spiegelt ihre Auseinandersetzung mit Farbe als autonomes und räumliches Phänomen im grafischen, fotografischen und Produktdesign wider.

7. Sigrid Calon – Gazebo
Mit „Gazebo“ verweist Sigrid Calon auf das „Torentje“ und dessen historische Bedeutung. Das Werk betont Offenheit und Symbolik im politischen Raum. Calons grafische Muster und intuitive Bildsprache schaffen ein vielschichtiges Erlebnis, in dem sich Distanz und Detail gegenseitig verstärken und in dem visuelle Andeutung wichtiger ist als eine eindeutige Interpretation. 

8. John Körmeling – Der schlagende Kalender
John Körmeling untersucht in seinem Werk die Beziehung zwischen Zeit, Bewegung und Form. „Der immer passende Kalender“ übersetzt einen neunzehnjährigen astronomischen Zyklus in eine kreisförmige Skulptur. Sein spielerischer, aber systematischer Ansatz macht komplexe Strukturen im öffentlichen Raum zugänglich und sichtbar.

9. Fransje Killaars – All colours are free, 2025
Fransje Killaars untersucht den Einfluss von Farbe und Textilien auf Raum und Wahrnehmung. Ihre monumentale Installation am Lange Voorhout verwandelt Farbfelder in ein sinnliches Erlebnis. Das Werk belebt die Umgebung und betont die Rolle der Farbe als Träger von Emotionen, Rhythmus und kollektiver Energie.

10. Studio Mieke Meijer – Airboretum
„Airboretum“ präsentiert drei aufblasbare Baumstrukturen, in denen natürliches Wachstum in modulare Geometrie übersetzt wird. Die Installation knüpft an frühere „Space Frames“ an, bei denen Skalierbarkeit im Mittelpunkt steht. Studio Mieke Meijer verbindet architektonisches Denken mit Produktdesign und schafft ein Werk, das sich sowohl systematisch als auch organisch anfühlt.

11. Eugenie Boon – Koncha pa dilanti
Eugenie Boon verbindet in ihrer Installation karibische Bildkultur mit zeitgenössischer Kunst. Ihr aufblasbares Kartenspiel setzt sich mit Identität, Diaspora und Gemeinschaft auseinander. Durch Farbe und Symbolik entsteht ein Werk, das sowohl verspielt als auch bedeutungsschwer ist und den öffentlichen Raum in einen Ort der Begegnung und des kulturellen Ausdrucks verwandelt.

12. Kiki & Joost – Die richtige Richtung
Das Werk von Kiki & Joost schießt wie ein Pfeilstrom aus der Fassade des Pulchri Studio hervor. Die Installation verkörpert Richtung, Energie und Optimismus. Das Duo verbindet Handwerk und Fantasie in einer monumentalen Geste, die den öffentlichen Raum belebt und einen spielerischen Dialog mit der Stadt eingeht.

13. Piet Warffemius – Wachstum
„Wachstum“ bildet den Kern des Werks von Piet Warffemius. Inspiriert vom Ginkgo biloba übersetzt er natürliche Formen in monumentale Skulpturen. Sein Werk bewegt sich zwischen Malerei und räumlicher Intervention und lädt zur Reflexion, zur Besinnung und zu einer neuen Beziehung zwischen Mensch und Umwelt ein.

Im Hofteich

14. Studio Job – Wie eine Pfanne im Wasser
Studio Job verwandelt Alltagsgegenstände in monumentale, erzählerische Skulpturen. In diesem Werk steht die Pfanne im Mittelpunkt, vergrößert und verformt zu einem ikonischen Bild. Das Œuvre von Job Smeets bewegt sich zwischen Handwerk und Hightech sowie zwischen Hoch- und Populärkultur, was zu einer ausgeprägten, eklektischen Bildsprache führt.

15. Lambert Kamps – Submarine
Mit „Submarine“ reflektiert Lambert Kamps über Raumnutzung und Präsenz. Das Kunstwerk taucht im Hofvijver auf und verschwindet wieder und spielt mit Sichtbarkeit und Abwesenheit. Diese rhythmische Bewegung verweist auf die Frage, was im öffentlichen Raum notwendig ist, und greift Shakespeares existentielles Dilemma auf: Sein oder Nichtsein. 

16. Marcel Wanders – Eier
Die Fantasie-Eier von Marcel Wanders spiegeln die Besucher wider und fungieren als Porträts im öffentlichen Raum. Die Eiform, ein wiederkehrendes Motiv, symbolisiert Verletzlichkeit und Potenzial. Wanders’ erzählerischer Designansatz schlägt sich hier in einem verspielten, aber bedeutungsvollen Ensemble im politischen und historischen Herzen von Den Haag nieder. 

Gefangenen-Tor

17. Steve Messam – Tunnel
Steve Messam ist ein englischer Umweltkünstler, der seit Jahren mit aufblasbaren Kunstwerken international für Aufsehen sorgt. Manchmal wird sein Werk auch als „Bubbletecture“ bezeichnet. Messams Objekte sind oft größer als ein Haus und wirken auf freundliche Weise monumental. Mit seiner beispiellosen plastischen Form liefert „Tunnel“ einen etwas befremdlichen Kommentar zur Geschichte des Gevangenpoort. 

Außenhof

18. Paul Cournet / CLOUD – Solar Cloud
„Solar Cloud“ schwebt wie ein sanftes Volumen über dem Berlage-Kiosk und scheint durch eine imaginäre Nabelschnur mit ihm verbunden zu sein. Der Eingriff stellt eine zeitgenössische Geste neben historische Architektur. Cournet, der in Bordeaux und Paris ausgebildet wurde, verbindet hier seinen architektonischen Hintergrund mit einer poetischen Herangehensweise an den Raum. 

19. Larissa Ambachtsheer – „Keep me in balance“
„Keep me in balance“ ist ein Thema, das die bildende Künstlerin Larissa Ambachtsheer zuvor in fotografierten Stillleben umgesetzt hat. Die Bilder bestehen aus Stapeln kugelförmiger Objekte, die sich in einem prekären Gleichgewicht befinden. Hinter der farbenfrohen Ästhetik verbergen sich die brennenden Themen unserer Zeit: die Suche nach einem bewussten, minimalistischen Lebensstil, der für ein nachhaltiges Fortbestehen notwendig ist. 

Passage

20. Theo Botschuijver – Ode an die Glühbirne
Mit seiner „Ode an die Glühbirne“ würdigt Theo Botschuijver eine technologische Ikone. Obwohl die Glühbirne inzwischen abgelöst wurde, bleibt sie für spätere Innovationen von grundlegender Bedeutung. Botschuijver, seit 1967 Pionier der Aufblaskunst, betont den kulturellen und historischen Wert dieses Objekts und seine Rolle innerhalb der visuellen und musikalischen Ikonografie.

Aus „PopUp BlowUp!“

Während des BlowUp Jubilee taucht jeden Tag ein besonderes aufblasbares Kunstwerk von Studio Ossidiana an einem anderen Ort in der Stadt auf. Neugierig, wo das Kunstwerk heute zu finden ist? Verfolgen Sie die Suche über die sozialen Medien von This is The Hague und nehmen Sie am Gewinnspiel teil.

Mehr über BlowUpJubilee!

Die Ausstellung wird von der Kuratorin  Mary Hessing kuratiert und ist Teil von  BinnenhofBuiten, einem breit gefächerten Kulturprogramm, das während der Renovierung des Binnenhofs ein lebendiges Kulturangebot in der Stadt bietet. Das Programm möchte die Stadt lebendig halten und die Verbindung zwischen Publikum, dem Museumsviertel und der Kunst fördern. BlowUp Jubilee bildet einen strahlenden Höhepunkt innerhalb dieser Ambition. BinnenhofBuiten ist eine Initiative von The Hague & Partners in Zusammenarbeit mit der Gemeinde Den Haag.